Reaja, porra! Por Leo Cima.

O nosso país vive um momento político notavelmente conturbado e escroto. Mais escroto do que conturbado, diga-se de passagem. E o pior, seguido por uma apatia de uma população que assiste praticamente zumbificada cada gesto de politicagem suspeito, ou escancaradamente malicioso. Uma inércia que chega a ser mais forte do que qualquer esquema de falcatrua televisionada nos noticiários e que é de cair o queixo.

É dentro desse cenário que a banda baiana Pastel de Miolos chega com o seu mais recente trabalho, o quinto de sua carreira, Reação! Para além deste lançamento, este é o primeiro registro da PDM como um duo, “apenas” com baixo e bateria, um formato de certa maneira inédito dentro do som proposto pelo grupo. Produzido pelo Irmão Carlos e contando com participações especiais e colaborações, o disco é um verdadeiro pé na porta ao longo das dezesseis faixas e vinte e oito minutos de som.

O cd abre com Punk Rock é Reação! E já se percebe o quanto o som está bem preenchido. Nela, o baixo faz a chamada para a pegada rápida e explosiva da faixa, com um texto, de parceria entre Bidido e Wilson PDM, que alerta para o fato de que se ficarmos somente nas redes sociais, nada será conquistado. Com uma pegada mais crossover, Convicção, Ideia ou Crença e Nada Desfaz imprimem mais velocidade a obra. Com letra do Sandro Ornellas, A Festa tem um punch mais forte e mais raivoso, com uma letra de crítica social sem firulas. Depois dela, Um Banho Gelado no Mar Egeu surge como uma das composições mais surpreendentes do disco. A sua introdução com os teclados de Durval Oliveira, um andamento mais pop e a letra inteligente do Lima Trindade, que faz referencia à questão da crise dos refugiados, geram uma boa surpresa nos ouvintes e não foge à coerência do som. Sedentário é um convite para as rodas de pogo e é uma boa crítica àqueles parasitas que fazem nada da vida e que vivem se fazendo de vítima de tudo. Em Estragados a PDM mete o dedo na ferida do ser humano que é mal caráter e em Not Dead a dupla desacelera com uma canção de refrão digno de se tornar um grito de guerra.

Com letra de Tony Lopes, Filhos da Puta retoma a alta velocidade sonora e faz uma chamada para irmos à luta contra a quem nos oprime. Sem Nada Mudar e Egoísmo chegam com vigor. Quarteto III é mais um ótimo momento de Reação!, traz consigo rapidez e raiva, com uma mensagem sincera sobre se manter bem e distante de quem ou o que nos causa mal. Vivendo na Culpa traz a questão da busca pelo bem estar através do consumismo que pode levar a um ciclo infinito de euforia instantânea seguida de um vazio e as consequências que isso pode trazer. Palavras é uma verdadeira porrada no pé do ouvido de vinte e três segundos, que versa sobre como as palavras têm poder, uma verdade universal com apoio dos backing vocais guturais do Fauro. A sequencia final, com Página 81 (letra também de Tony Lopes) e Reaja ou Vire Escravo, encerra muito bem o cd com energia de sobra e com mensagem direta e reta para que o indivíduo acorde, levante e faça algo. Reaja!

Em Reação!, a Pastel de Miolos atesta a ótima banda que é e porque figura dentre as melhores do país quando o assunto e punk rock. Creio que tenha sido um desafio grande para a dupla gravar este disco, considerando a mudança na sua formação e a decisão de seguir como se encontra hoje. O ótimo texto da dupla, as influências do metal e os efeitos no baixo extraídos de pedais, vindas do André, e o punk, trazidas pela grande bagagem do Wilson, moldaram bem a musica dessa fase da PDM, criando uma identidade musical de mais personalidade sem perder o perfil punk. É claro que existem outras tantas bandas que se apresentam no esquema baixo/bateria/vocal, em outros gêneros musicais, mas nesse caso há de se atentar para essa condição de se reinventar e não deixar para trás o seu passado importante. Talvez a Pastel de Miolos tenha aberto uma nova porta para o punk rock!

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“Eu não sei fazer musica, mas eu faço”. Por Leo Cima.

Escrever sobre a sua própria banda é uma tarefa difícil. É algo complicado, de fato. Em situações como essa, o musico que escreve tem que manter sempre o cuidado para não pesar a mão sobre determinados aspectos, se vai ser positivamente tendencioso em certos pontos e até mesmo estar atento para não cair na armadilha de querer ser tão imparcial com a sua própria musica e acabar enxergando mais defeito do que realmente existe. Encontrar um equilíbrio dentro dessas questões é a verdadeira tarefa de um texto como esse que vem a seguir. Esse esforço é maior quando se escreve sobre um show. Tocar e, ao mesmo tempo, ver o que acontece no lugar até que funciona, mas muita coisa se perde durante o processo. Já disco é um pouco diferente, a concentração é, obviamente, maior e estar atento e respeitoso com o som alheio são os principais elementos para transcrever a obra de um grupo. Foi assim que decidi fazer quando escrevi o release de Empty, o mais recente EP da G.O.R., que você está prestes a ler e que inicialmente não era para estar aqui, mas por um acaso está! E porque não, né? Nele, tentei escrever como se estivesse o fazendo para o site, como executo normalmente pelas “internets”. Acabei mexendo em um trecho aqui e ali, para não ser uma cópia descarada de mim mesmo, mas no geral é o texto original. De qualquer maneira não foi fácil, mas foi feito!

Eu não sei escrever os textos que faço, mas eu escrevo.

O final do último mês de 2016 se aproximava e a Game Over Riverside tinha um objetivo definido: lançar o seu segundo EP em meados do ano seguinte! Ainda havia canções para a banda gravar em um novo trabalho e o desejo de materializa-las norteou o caminho que o quinteto fez para chegar até esse exato momento, no qual você está escutando, ou está prestes a escutar o Empty.

Novamente, seis músicas foram escolhidas para compor o disco, a outra metade do repertório da G.O.R., e uma constatação saltou aos olhos dos cinco rapazes da cidade baixa! Todas elas mais pesadas em relação às suas irmãs encontradas no seu debut. Dessa vez, o indie deu mais espaço para o noise grungenesco de tons mais sombrios com influências de Ramones, David Bowie, Manic Street Preachers e Black Sabbath, o que fez com que a banda dedicasse mais tempo e atenção às sessões de gravação. A caminhada foi longa, porém prazerosa! Foram oito meses de um processo que contou novamente com o trabalho cuidadoso e primoroso do produtor André Araújo, responsável por entender as composições, a atemporalidade de ambas as faixas e dar a elas um som pomposo, diante dos novos arranjos que a maioria ganhou em meio ao desenvolvimento criativo, amarrando os dois trabalhos como se eles formassem uma dualogia. Mesmo que se apresentem diferentes um do outro!

O texto proposto pelo grupo, nessa ocasião, também não fica para trás da sua sonoridade, trazendo críticas e observações mais ácidas a sociedade e a seus comportamentos, porém não abandonando a ironia e o sarcasmo característicos da banda. Na faixa título, que abre o trabalho, o impacto do seu peso serve de trilha para a letra que aborda o vazio dos sentimentos e das futilidades consumidas pelas pessoas em seu dia a dia, em um mundo cheio de bebês nascidos preparados para morrer. Em Me and my Band, com um shoegazer-punk radiofônico de refrão explosivo, a Game Over Riverside conta a história de um latino americano possuidor de uma banda de rock dentro de uma cidade litorânea ensolarada, que ninguém quer dar a mínima atenção e que, ainda assim, ele a mantém apesar dos contratempos da sua labuta musical. Assim como na abertura, o quinteto usa apenas duas guitarras na música God in a Talk Show, um stoner-punk nervoso e direto, onde se questiona sobre a fé cega que move pessoas intolerantes.

Paper Planes surge como uma composição genuinamente grunge com passagens psicodélicas, explorando bem as possibilidades das suas três guitarras, trazendo nuances inteligentes em trechos que destacam as personalidades de cada um dos seus guitarristas, seja nos solos, na base, nos riffs e no experimentalismo, dando campo a versos que tratam sobre a descrença na humanidade. A penúltima canção, Roswell, foi resgatada do arquivo do grupo e inclusa no último momento no disco. Ela foi repaginada, se tornando possuidora de um punch que não perde o fôlego, ainda com riffs grudentos e uma discreta, porém presente, textura criada no estúdio, incluída para contribuir na atmosfera da música. Como o título sugere, ela traz a teoria da conspiração para a roda, tema de profundo interesse dos integrantes (ao menos quatro, dos cinco, já avistaram um OVNI), o tratando de maneira instigante na faixa. Fechando o EP (assim como nos shows), I Can’t Hardly Wait atesta o peso investido nas músicas desse trabalho, falando sobre o ódio e a raiva em tempos de polarização de opiniões. Isso tudo ainda é amarrado pelo forte projeto gráfico da capa e do encarte criado pelo vocalista/guitarrista, Sérgio Mores, que levou ao conceito visual de Empty animais robustos e ferozes, e divindades cósmicas lovecraftianas para ilustrar as canções e a unidade da obra.

Neste trabalho, a Game Over Riverside consegue não se repetir! Mantêm as suas letras em inglês, trazem composições bem estruturadas, solos objetivos, refrãos grudentos (de pegada pop, sim, é possível!) e contam com a participação especial de Suzi Almeida, vocalista da Invena, fazendo backing vocais em quatro canções (faixas 1, 2, 4 e 5). A G.O.R. imprime a sua visão do mundo com uma trilha sonora volumosa para ela e continua a sua busca pelos cultivadores de histórias infantis!

                                                    Para Stephen King

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Para ouvir várias vezes. Por Leo Cima.

A Jato Invisível é detentora de um dos discos mais aguardados deste ano de 2017. O Veiculando Neuroses levou bastante tempo para ser lançado, não só pelo fato de ter se passado um ano do final da sua gravação até o dia do seu lançamento, mas também pelo período no qual o grupo esteve fazendo shows com uma boa frequência antes de entrar no estúdio para executar mais essa empreitada. E isso fez bem para a banda, que amadureceu de forma significativa as músicas que estão nessa obra.

Produzido pelo Irmão Carlos, este novo EP da JI possui cinco faixas fortes, em letra e musica, com um texto bastante pessoal e punchs sonoros bem pegajosos, respectivamente. Fato que é também visualmente muito bem expressado na capa do disco feita por Sérgio Moraes. Tudo isso faz com que o ouvinte crie uma identificação interessante com o que se escuta. No decorrer do disco há participações especiais interessantes, como a do escritor Sandro Ornellas em uma das faixas e a do Irmão Carlos tocando teclado na primeira e quarta faixas.

O disco abre com O Que Eu Espero Pra Mim, com instrumentos intensos já nos seus primeiros segundos, com riff pesado, cozinha redonda e encorpada, teclado de sonoridade soul setentista do Irmão Carlos, solo de guitarra muito bem encaixado em seu trecho e uma letra de perfil genuinamente rock’n roll de primeira: “Ao duvidarem de mim eu consegui seguir, quando alguém me diz que não vai dar certo/Eu vou em frente e agradeço os seus conselhos, mas a cara é minha/Eu vou em frente, eu quebro se eu quiser”. O Rock agradece! Esperar Sentado (alguma coisa) é uma das primeiras composições do conjunto, de uma época antes mesmo a do seu primeiro trabalho, e que surge aqui com uma sonoridade mais atual. É nela que o Sandro Ornellas recita o seu poema e onde a linha de baixo ganha destaque especial. Se Vira é uma das faixas mais empolgantes do EP, com refrão pegajoso e mais riffs de guitarra que marcam bem a base da composição, como um bom punk rock radiofônico da virada dos 1970 para os 1980.

Em Se Faz Bem a banda tira um pouco o pé do acelerador com uma faixa mais sombria, uma balada que beira um caminho mais atmosférico e que segue para um refrão explosivamente denso, onde o teclado do Irmão Carlos retorna para dar mais textura a esse clima. A sequencia de canções se encerra com a faixa título. Veiculando Neuroses é, em minha opinião, o ponto alto da obra, sendo possuidora de arranjos empolgantes, melodia certeira, quebra de andamento no meio da composição, com a guitarra em evidencia sem tomar o lugar dos demais instrumentos, uma crescente instrumental que prepara o campo para o solo e a voz duplicada da Sioux Costa criando um afeito quase que robótico no seu vocal, tudo isso em um pouco mais de dois minutos. É certo um repeat nela e no disco todo!

Para além de um dos discos mais esperados, Veiculando Neuroses é um dos melhores lançamentos deste ano. Nesse momento, a Jato Invisível trouxe bem as suas referencias para esse registro, juntamente com o bom entrosamento que os seus integrantes desenvolveram com esta sua formação. Com influencias de punk, pos-punk, BRock e indie, e com um bom texto encontrado nas composições, a JI dá um passo adiante no seu som, juntando esses elementos à sua criatividade e levando esse disco para suas apresentações com bastante fidelidade sonora.

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Lançamento do primeiro cd da Vovó do Mangue. Por Wilson Santana.

Sábado, dia  18/11/2017, fui a convite da Produção da banda Vovó do Mangue para ver a festa/show de lançamento do primeiro disco da banda e também pra levar a banquinha com produtos oficiais da bandas lançadas pela TRINCA DE SELOS #aquitemrockbaiano, o evento foi realizado em sua cidade natal, Maragojipe, cidade com histórico cultural forte, localizada no Recôncavo Baiano.

Sempre que vou em eventos no interior, fico impressionado com o interesse das pessoas e pelo público eclético, gente que curte musica alternativa, curiosos ou mesmo aqueles que vão por conta da carência de eventos, e não foi diferente, o show foi realizado na Sede da Fundação Cultural Vovó do Mangue, fundação essa que desenvolve trabalhos sociais e ambientais junto a população Maragojipense.

Show marcado para as 21h e antes disso já tinha um público considerável, para que a primeira banda desse inicio a festa. Pablues - pra quem não sabe, Pablues é vocalista do Clube de Patifes - seu projeto solo (CASA PRONTA) onde ele apresenta o show bem com base no folk rock e pincelando algumas músicas do Clube de Patifes, show bem dinâmico, banda afiada, e galera curtindo o show e mesmo não conhecendo esse novo trabalho, percebi aquele interesse pelo trabalho da Casa Pronta.

Na sequência os donos da festa: Vovó do Mangue, e logo na primeira música já dava pra perceber que seria um show onde a galera cantaria as música o tempo inteiro, pessoal dançando, agitando, pedindo músicas, apesar de ser o primeiro disco, a banda existe desde meados da década de 1990, e o disco é justamente uma pincelada de músicas da história inteira da banda. Mais de 1 hora de show e o público querendo mais e a banda dando mais.

No final da apresentação a banda convidou músicos de um dos vários terreiros de candomblé que existe na região e o vocalista falou da importância do respeito que deve existir, independente da crença, muito louvável a atitude, mas afinal, uma banda de rock existe pra isso, pra quebrar paradigmas e fazer a galera agitar. Já era quase 2 horas da madrugada, quando a VDM deixou o palco e a galera toda pronta  para a banda de Reggae Mont Zaion fechar com chave de ouro a belissima noite.

Mais informações sobre a Fundação e banda Vovó do Mangue, basta acessar as páginas:

http://vovodomangue.org

http://vovodomangue.com.br

Ouça o disco:

https://brechodiscos.bandcamp.com/album/vov-do-mangue

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Paul esteve entre nós. Por Leo Cima.

FINALMENTE PAUL MCCARTNEY TOCOU EM SALVADOR! Finalmente! Você pode entender as letras garrafais da frase inicial desse texto como um desabafo, porque é, de verdade, um desabafo. Nada mais natural vindo de uma pessoa que teve que esperar sentada por muito tempo para ver um show desse beatle.  Desde 2010 Paul incluiu o Brasil na agenda das suas turnês de maneira efetiva e até a confirmação da sua passagem por aqui, cada anuncio de um novo giro dele por terras brasileiras era uma mistura de expectativa e frustração e isso ficou mais forte depois que a Fonte Nova foi reinaugurada. Era sempre um “será que agora vem?” seguido de um “porra, de novo não!”.

Mas dessa vez aconteceu! Virou história! E o melhor, sem o hype que envolveu as vindas dele em boa parte dos anos anteriores, o que demonstrou a inquestionável força que ele tem como artista. Tão histórico, que ele teve influencia direta no bom desempenho hoteleiro local, quando se registrou 90% de ocupação nesse setor durante o período que envolveu a apresentação do inglês aqui na capital baiana. Tratei de tomar como tarefa não buscar vídeos de seus shows dessa turnê no youtube, para justamente não tomar spoiler algum e ter uma experiência mais pura do espetáculo. Me disciplinei até a véspera do dia 20/10 e constatei o óbvio: ainda que seja um mesmo show, uma coisa é assisti-lo em uma tela e outra é estar in loco vendo a tudo acontecer.

Paul pode tocar esse mesmo repertório umas trezentas vezes ao redor do planeta, pode repetir qualquer gesto diante da plateia, seja quando entra no palco ou em cima do piano depois de uma canção, pode seguir a direção artística que for (deal with it!), mas tudo vai soar verdadeiro. Verdadeiro e divertido! Da plateia dava para perceber claramente que ele estava fazendo, provavelmente, a melhor coisa do mundo e nós nos beneficiávamos dessa sua entrega no palco.

Com um pequeno atraso de quinze minutos, Macca abriu o show com A Hard Day’s Night e seu “acorde mágico” (desvendado ano passado pelo produtor Giles Martin e pelo músico Randy Bachman). Nessa hora todos estavam com os ânimos em alta, tão certo assim que ele tirou o seu paletó azul logo depois dela! Extremamente simpático, falou logo com o público as suas primeiras frases em português com as características baianas. Nem preciso dizer que a essa altura ele já tinha tomado o estádio inteiro para si. As canções do The Wings tiveram destaque em seus momentos, trazendo uma atmosfera setentista ao lugar, com a audiência cantando junto os refrãos de Let me Roll It e Band on the Run, e entrando em catarse com a pirotecnia da desde sempre empolgante Live and Let Die, esse um dos melhores pontos da noite. As músicas do seu álbum mais recente, New, deu ao show um perfil mais de banda, uma vez que ele foi gravado pelos mesmos músicos que os acompanha nas tours. As passagens mais introspectivas, com o Paul sozinho ao violão tocando em um palco elevado, chamaram a atenção pela beleza de Blackbird e Here Today, assim como em Eleanor Rigby e Yesterday mais adiante. As faixas do Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band soaram muito bem ao vivo e muito forte visualmente, com Being for Benefit of Mr. Kite! quase levando as pessoas em uma viagem para outro lugar. Helter Skelter, Back in the U.S.R.R. e Birthday deixaram a Fonte Nova mais quente, com a última tendo a participação da fã Yasmin dançando ao lado do cantor, depois de ter seu pedido para isto ser atendido (ok, ok, talvez apareça no dvd dessa turnê). O final não poderia ter uma sequência melhor com ele tocando a mesma do lado b do Abbey Road! Golden Slumbers = Sensações à flor da pele!

É claro que teve muito mais do que isso. Faltou música? Talvez! Ele tocou tudo o que se poderia esperar? SIM! Os clássicos dos Beatles e de sua carreira fora do quarteto estavam todos presentes, com a plateia acompanhando junto, seja cantando, chorando ou vibrando e respondendo a cada frase em português que ele falava. Só faltou ele mandar um “Bora Bahia Minha Porra” e um “Pega Leão”. Nem de longe foi uma apresentação de um artista que é cover de si mesmo, porque, simplesmente, ele não é cover de si próprio. Paul McCartney poderia estar desfrutando de sua fortuna em uma ilha distante, ou em Itacaré, mas prefere continuar gravando discos, participando de outros projetos musicais e estar na estrada fazendo turnês. Pura atividade e criatividade!

Foi uma apresentação linda, perfeita, com as coisas em seu devido lugar e que evocou emoções das mais diversas nas pessoas que estavam no estádio e, principalmente, que mexeu com lembranças de cada um. Lembranças de todos os tipos, lembranças boas e aquelas que você não queria acessar, mas que vieram até você. Não teve como fugir disso diante de um dos responsáveis pela trilha sonora de vários momentos de sua vida. Arrisco em dizer que se você não gostou da apresentação, foi porque provavelmente você não estava assistindo a ela. E se não achou legal o evento não ter dado sold out, eu não sei o que 53 mil expectadores significam para você!

Quando tudo terminou, dava para perceber o quanto a maratona de quase três horas de música cansou sem que se percebesse esse fato, mas se tivesse mais uma hora de show ainda havia mais gás para isso. Êxtase definia as pessoas pós apresentação. Subindo a ladeira da fonte todos tinham o Paul como assunto em suas conversas e o ambulante que tocava U2 em sua guia de venda me fez pensar quando teremos algo assim novamente por aqui. Mesmo recebendo artistas de outros países, Salvador não é inclusa na rota de eventos desse porte e de um músico dessa magnitude. E pelo histórico de acontecimentos como este por aqui, vai demorar a acontecer outro. Espero estar errado! Li que há uma negociação para trazer o Roger Waters, mas enquanto não confirmarem a sua venda de ingressos, tudo é especulação. O que importa mesmo é que Paul esteve entre nós, em uma noite histórica e memorável, difícil de tirar da cabeça.

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Entrevista com Mopho (AL). Por Leo Cima.

      Foto: Rafael Passos.

Continuando ainda com o Festival Radioca III, trazemos agora uma entrevista com a banda Mopho (AL). O João Paulo e o Dinho Zampier bateram um papo conosco e falaram sobre como foi tocar pela primeira vez em slvador depois de duas décadas de carreira sobre como foi o processe interessantíssimo de criação do seu mais novo trabalho, Brejo e sobre o cenário atual. Foi ótimo! Então, encontre a melhor maneira de ler essa entrevista e confira o som do ótimo Brejo!

Soterorockpolitano - Pessoal, parabéns pelo show, gostei muito dele, mas gostaria de saber o porque que vocês levaram tanto tempo para poder fazer uma apresentação em terras baianas. Porque demorou tanto e como foi essa experiência?

João Paulo: Na real, foi falta pura e simplesmente de um convite, de uma oportunidade, sabe? É por conta também nessa trajetória de vinte anos a gente mudou muito de formação e tal, aí isso tira o foco, né? Então, basicamente foi isso! Até que quando surgiu a oportunidade a gente ficou bem feliz mesmo. E, meu irmão, muito massa aqui! A galera, eu não esperava, não, que a resposta fosse tão bacana, cara! O tratamento à banda pela produção do evento foi maravilhoso, o público bacana da peiga e eu nunca tinha vindo a Salvador e estou feliz que só!

SRP - Eu estava ali em baixo e a receptividade foi excelente!

João Paulo: Fiquei feliz pra caramba! A despeito de ser um setlist curto, da gente passar o som e aí na hora que vai tocar tem coisas que estão diferentes no palco, isso tira um pouco a concentração. A gente tinha feito um repertório, mas tocamos um pouco menos que quarenta e cinco minutos e algumas coisas ficaram de fora subitamente. Mas a gente entende, não temos o que reclamar. Queremos voltar outras vezes!

SRP - Disco novo na área, vamos falar um pouco sobre ele! No Brejo está lá o Mopho em sua essência, está lá o rock psicodélico sessentista, o rock de garagem desse período, o rock brazuca dos anos setenta, porém um Mopho mais maduro, mais conciso, com as canções mais redondas. Eu gostaria de saber como foi o processo de criação do disco, quais as influências que recaíram sobre a banda nesse período de criação de Brejo?

João Paulo: Então, bicho, em 2008 fizemos um show emblemático em Macapá e conseguimos reunir o Bocão (ex-baixo) e o Pisca (ex-bateria), que tínhamos gravado juntos com Leo (atual baixista) no teclado o primeiro álbum. Reunimos essa galera já com o Dinho (Zampier) no teclado e daí houve aquele lance de “vamos voltar a banda pra fazer um disco”! Aí, nos reunimos e em três ensaios a gente pré-produziu e foi para estúdio gravar o Vol. 3. Nesse período, eu já vinha desenvolvendo grande parte das canções que entrariam em um hipotético álbum a ser gravado por essa formação. Visto que quando estávamos gravando o Vol. 3 a minha contribuição era muito pequena, só tenho duas músicas no álbum, Você sabe Muito Bem e Quanto Vale um Pensamento Seu. O resto era o esboço, o esboço dessas canções que apareceram agora no disco Brejo, entendeu? Aí a formação acabou de novo! Aí ficou engavetado e nem sabia se ia fazer com o nome Mopho e tal. Foi quando há uns dois anos eu entrei em contato com Dinho e disse “e aí, Dinho, vamos gravar logo, cara, vamos ver qual é!”. Fui na casa dele, a gente sequenciou uns andamentos e os ritmos, e na véspera da gravação passou para o batera, e passou para o baixista. Vou ser muito sincero, eu queria uma coisa mais orgânica, sabe? Eu estou feliz pra caramba, é um disco honesto pra caramba. Mas acho que aquelas canções poderiam ser um pouco mais maturadas, cara, num processo de pré-produção com banda, sabe? Então, é foda porque estou lançando o álbum, mas já estou meio que falando mal dele! (risos). Porque, na verdade, já estou ansioso por um quinto álbum! Eu acho Brejo um disco bacana, mesmo, só que eu me ressinto do fato de não ter tido tempo, de não ter tido clima de banda. Então, praticamente é um disco com canções minhas. Tanto é que gravamos um quarto do disco com outro baixista, foi quando eu não estava gostando, aí poxa “vou chamar o Leo, né?”. Aí o Leo colocou os baixos e a coisa começou a tomar uma forma diferente, porque até então estava bem esquisito.

Dinho Zampier: A gente sofreu muito, na primeira demo desse disco, a gente sofreu muito porque a gente não conseguia “O” clima!

João Paulo: O clima, cara. Não tinha um núcleo, não tinha uma pegada, sabe?

SRP - Então, essa questão desse intervalo de seis anos entre o Vol. 3 e o Brejo foi por conta dessa mudança de formação da banda e também pela maturação das canções?

João Paulo: Na verdade, essas canções já estavam prontas há uns seis anos, por aí. Quando não faltava uma estrofe de uma canção, faltava resolver harmonicamente uma passagem, ou ritmicamente outra. E por conta de “não existir banda”, de fato, para ensaiar e para resolver isso, a coisa foi ficando assim! Até que eu tive aquela coisa de “agora vou ter que lançar essas musicas para poder dar um passo à frente”, se é que vou fazer alguma coisa com a Mopho de novo, ou não! E, no final das contas, eu fiquei muito feliz. Depois que o Leo colocou os baixos, que já deu um groove, um molho diferente, aí a gente sentiu que estava a Mopho mais ou menos ali. Mas a primeira gravação, que era com o outro baixista, velho, eu escutava e dizia “não tem como, velho”.

Dinho Zampier: Nos salvou aos quarenta do segundo tempo! (risos)

João Paulo: O Leo chegou e aí gol. Basicamente foi isso! (risos)

SRP - Eu achei o disco muito bonito, Limiar (uma das faixas) é desse período?

João Paulo: Limiar e Não Sou de Ninguém foram as últimas, já foram compostas, assim, em 2012/2013, já foram as últimas no processo. Limiar é uma música que eu acho foda! Por exemplo, Limiar, aquele ritmo de valsa ali, a bateria poderia brincar um pouco mais, entendeu? A sensação ali é quase que um drumbox “tacum ta cutum, tacum ta cutum”. Ficou lindo, mas já pensou se fosse um groove a lá Dig a Pony, dos Beatles, com aquelas frases do Ringo? Era como eu pensava a música. Mas no final das contas rolou, cara! Eu estou feliz com o álbum!

SRP - Vocês estão completando vinte e um anos de estrada. Há duas décadas atrás, com vocês tocando e a gente observando, a gente via que no cenário independente não havia tanta banda de rock genuinamente psicodélica, não tantas quanto hoje, que parece que houve um boom de bandas dessa linha, encabeçadas pelo Boogarins, My Magical Glowing Lens, Bike. Eu quero saber sobre o que vocês acham dessa nova leva de bandas psicodélicas brasileiras e como vocês se enxergam dentro desse meio sendo a Mopho uma banda pioneira nessa vertente aqui no Brasil?

João Paulo: Bicho, antes de mais nada, eu, particularmente, não considero essencialmente o som do Mopho psicodélico. Tem vários elementos e tal. Mas eu diria que a gente flerta muito mais com folk e com jovem guarda, com alguma coisa progressiva. Ecos de Pink Floyd na mesma proporção com ecos de Roberto Carlos. Mas eu fico feliz pra caramba de perceber como a turma até meio que reverencia o Mopho enquanto um pioneiro nesse resgate. Fico feliz para caramba! Com relação às bandas novas, o Dinho que é uma cara que toca bem mais do que eu, viaja por aí, conhece as bandas todas. Eu, particularmente, ouço falar, mas eu não tenho escutado, cara. Estou cada vez mais naquela de resgatar mesmo as eternas velharias, sabe? Mas sempre tem uma coisa massa que eu não sabia que existia nos anos sessenta e setenta, aí estou sempre por lá. Mas o Dinho me comenta sobre várias bandas novas!

Dinho Zampier: Outro dia eu mostrei para ele o O Terno. Muito legal, uma cena que acompanho por estar sempre circulando e tal. Já vi o show deles, vi do Boogarins, da Bike e da The Baggios também, do Júlio, que estava conosco agora há pouco aqui. É uma cena nova com muita autenticidade no som!

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Entrevista com Far From Alaska. Por Leo Cima.

      Foto: Rafael Passos.

Durante a terceira edição do Festial Radioca, batemos um papo descontraído com o simpaticíssimo quinteto Far From Alaska (RN). Nele, a banda falou sobre o seu novo disco, Unlikely, sobre como foi trabalhar com a produtora Sylvia Massy, sobre a cena de Natal, sua carreira internacional, sobre quantas vezes teve que responder do porque de cantar em inglês e um pouco mais! Se ajeite onde estiver, dê um play no Unlikely e aproveite a conversa.

Soterorockpolitano - Gostei muito do Unlikely, o achei muito bacana e gostaria começar o papo por ele. Ele é um disco mais descontraído, mais solto, mais harmonioso em relação ao modeHuman. Inclusive, eu vi vocês falando que ficaram um pouco menos presos em relação aquela coisa do riff. Eu gostaria de saber como foi o processo de criação do Unlikely, quais foram as influencias que vocês tiveram para poder criar as canções desse disco?

Rafael Brasil: Eu acho que esse disco ele veio com a missão de mudar um pouquinho como as pessoas viam a gente. Às vezes a gente via nos lugares “ah, a banda de stoner rock de Natal” e as fotos da gente todas sérias, e não é tanto assim. E aí, ele veio com essa missão de exaltar mais o que a gente viveu, sei lá, em cinco anos, cada um viu o que gosta mais de fazer, o que gosta mais de ouvir e aí foi natural esse lance. A gente viu que não era tão sisudo assim quanto o que a galera botou lá para a gente. Aí ele veio mais colorido, ele veio propositalmente assim. A gente quis fazer músicas mais legais de cantar, se preocupou muito com melodia, mudar mais a harmonia, né? Não ser aquele riff encorpado o tempo inteiro. Adoramos o modeHuman, mais aí o Unlikely veio com essa outra característica.

Cris Botarelli: Esse outro humor!

SRP - Achei vocês bem humorados nessa investida, realmente. Inclusive, lá no Kickante eu vi que tinha uma solicitação para quem quisesse contribuir com R$1.000.000 para vocês não gravarem o disco...

Cris Botarelli: Aaah (risos)

Lauro Kirsch: Teve uma hora que kickaram, tá ligado? Pensei: “Caralho, velho, a gente deveria ter pedido mais, um milhão é pouco!” (risos)

SRP - Ainda em relação ao disco, vocês produziram ele com a Sylvia Massy, que tem no currículo trabalhos com o Tool, Jhonny Cash, Prince, Red Hot Chilli Peppers, mas o que achei  mais interessante é que ela tem uma metodologia bem peculiar de gravar disco, de tirar som, de criar sons dentro do estúdio. Eu quero saber como foi a experiência de ter gravado com ela, eu sei que vocês fizeram alguns experimentos, falem um pouco sobre isso!

Cris Botarelli: Foi massa, esse lance todo a gente estava procurando alguém e tal, e a gente quando encontrou ela, que deu macth no Tinder com ela, e aí foi ver os seus vídeos da internet, a gente ficou muito apaixonado. Porque ela curte muito experimentação, mesmo, na hora de gravar e a gente curte muito essas coisas, essas doideiras! Era exatamente o que a gente estava procurando e aí rolou. Era tudo muito diferente, assim: o jeito de gravar, não tinha aquário de gravação, era todo mundo gravando ali no sofá, ela fez uns experimentos com synth, passou o synth passando por uma salsicha, passando por um picles, furadeira, começou a botar um bocado de coisa. E era massa porque era uma vibe assim de tipo, vamos tentar, vamos experimentar, vamos fazer coisas e se não ficar bom, não usa, se ficar bom, usa.

Lauro Kirsch: Ela não tinha tempo ruim, hora nenhuma! O que você pensava em fazer, ou, brincando, você falava uma coisa, ela: “Vamos!”. Ou ela mesma vinha com a ideia doida e a gente aceitava: “Vamos fazer!”.

SRP - Ela fala que “mesmo que a experiência não dê certo, vai ficar para sempre na memória e o artista nunca vai esquecer”, achei isso muito bacana. Vi até um vídeo que ela fez com a captação da bateria...

Emmily Barreto: O Dick Mic!

SRP - O Dick Mic, que achei super bacana e a achei bem humorada, também acreditei que isso tenha contribuído com a atmosfera do disco...

Rafael Brasil: Ela nunca chegava no estúdio pra baixo, ela nunca falava que o tempo estava ruim. Era sempre “ahh, vamo nessa!”. Aí ela entrou na onda de a gente, de que cada um é um bicho, né? Aí a gente perguntou pra ela qual bicho ela era. Ela pensou, chegou no outro dia e falou que ela era um corvo! E aí ela já chegava “aaaahhhh”, gritando (risos), era massa, era sempre pra cima!

Lauro Kirsch: E às vezes a gente estava maio cansado, assim, de fazer os takes, sabe, “não acordamos ainda”, estávamos naquela assim, ela vinha e “vai, animação, aaaahhhh!!”, ficava gritando e trazia todo mundo para dentro do rolê!

SRP - A vibe era boa, então!?!?

Rafael Brasil: Total!!!

Edu Filgueira: Teve até um dia que ela estava doentaça, e mesmo assim, ela estava “morrendo”, mas estava pra cima, tá ligado? Muito bom!

SRP - Emmily, os microfones que ela tem lá você pôde usar o tanto quanto você quis?

Emmily Barreto: Cara, tinha milhares. Quando a gente chegou lá, o Ivan, o engenheiro assistente dela – na primeira semana ela não estava lá, então a gente ficou um pouquinho sem ela – ele levou a gente pra conhecer tudo e tal, e velho, tinha uma sala só de microfone, como tinha de tudo também, de amp. De tudo! Mas a quantidade de microfone era surreal, se eu fosse escolher era impossível. Então, graças a Deus, ela escolheu por mim e ela escolheu um microfone lá de ouro, que era bizarro. Só ele é, tipo, uns 100 mil dólares.

Cris Botarelli: Era tipo, 30 mil dólares.

Emmily Barreto: Não, era mais, era mais! Era muito caro! Era de ouro! Você escutava, se você estivesse usando um fone, você escutava coisa da rua melhor do que se você estivesse sem o fone, tá ligado? Bizarro, bizarro! Usei esse mic que eu esqueci o nome, mas eu tenho foto dele.

Lauro Kirsch: Soyous!

Emmily Barreto: É esse aí!

SRP - Mudando um pouquinho de assunto, mas ainda com um pé lá fora, quero falar um pouco sobre carreira internacional. Vocês estão dando os seus primeiros passos em relação a isso, vocês sentem alguma pressão desse aspecto sobre os ombros de vocês, como vocês têm lidado com isso por ser considerada uma banda promissora?

Rafael Brasil: Acho que a palavra que a gente sente não é pressão, não, é vontade mesmo!

Cris Botarelli: É vontade de ir logo! (risos)

Lauro Kirsch: A pressão é mais interna, entre a gente de querer fazer a coisa acontecer do que do público, que já conhece a gente, esperar isso da gente. Pô, se a gente for, o público vai achar bacana, mas pra gente é muito mais pressão, de a gente querer fazer a coisa acontecer lá fora. Porque sentir o gostinho indo para o South by Southwest, indo para o Download Festival, tipo, é muito massa! A vibe, a receptividade da galera foi bem tranquila. Antes a gente ficava apreensivo, tipo, “como é que eles vão receber a gente?”, uma banda brasileira fazendo rock e isso ser “esquisito”, mas a galera foi muito amor e até hoje mandam mensagem para a gente.

Emmily Barreto: É, acho que no momento é mais planejamento, a gente tá com a cabeça nisso mesmo. O nosso objetivo no momento é esse, a gente quer botar o pé lá fora mais vezes. No começo do ano que vem a gente quer começar já com turnê lá fora e vamos ver o que rola! A gente tá ansioso!

SRP - Sobre a cena de Natal, Natal tem uns dez anos que vem se destacando no cenário brasileiro, apresentando boas bandas com projeção nacional significativa, um festival expressivo. Para vocês, o que faz da cena de Natal ser tão destacada e bem sucedida?

Lauro Kirsch: A água!!! (risos)

Rafael Brasil: Esse lance de ter um festival, de ter uma pessoa trampando para isso, ter um bar, ter um lugar para as bandas tocarem, isso tudo acaba movimentando a cena inteira e a gente é fruto disso, inclusive. A gente cresceu lá tocando em outras bandas e isso é muito importante. Todo lugar que a gente vai, todo lugar que tem festival a gente fala o quanto isso é importante para cidade, para movimentar a parada e fazer acontecer. Tanto que eu senti uma vibe dessa também em Goiânia, por exemplo, que tem o Bananada, que tem a galera lá que trampa nisso. Então, acho que esse é o diferencial da cidade, que faz Natal ser especial por ter esse circuito para as bandas tocarem lá no ano todo e ter os festivais MADA e DoSol.

Lauro Kirsch: E o público corresponde também!

Emmily Barreto: É, a galera pira! Tipo, a banda favorita da galera é a banda de lá de Natal e se tem show eles lotam o show, não tem isso de tem que ter banda de fora para ir.

Cris Botarelli: Foi um processo isso lá, né? Porque as coisas do DoSol tem dez anos agora e aí foi um processo da galera se acostumar a consumir as coisas de lá mesmo, não ter vergoinha, né? Que às vezes a galera tem esse velho complexo de vira-lata que a galera fica com vergonha de gostar. Em Natal, não, a galera curte mesmo, sabe cantar, chega no show, se tiver fã compra o merchan , tipo, vai no show e paga o ingresso e tudo o mais, é massa! É acima da média de público também! A galera é bem massa!

SRP - E das demais cenas, o que vocês têm observado de bandas e de artistas, o que tem chamado a atenção de vocês no território nacional?

Rafael Brasil: A gente está vivendo um momento muito, muito, muito foda da música no Brasil. Em toda viagem que a gente vai, para todo canto, a gente encontra uma banda e fala “caralho, isso aqui era para o Brasil inteiro conhecer, muito foda”. E a gente pode citar algumas bandas que a gente está em contato direto lá em São Paulo, que a gente já virou amigo, como Francisco El Hombre, Scalene, Supercombo, Ego Kill Talent, a lista é gigantesca, não dá nem para falar todo mundo. Todas bandas fodas com competência para assumir esse mainstream do Brasil!

Lauro Kirsch: Foi um momento meio que único, porque todo mundo resolveu sair das cidades que se originaram para ir para São Paulo e tipo, todo mundo começou a se encontrar em São Paulo pelo polo de logística, de ser mais fácil para as bandas circularem lá, então muitos artistas como Selvagens a Procura de Lei, lá do Ceará, eles se mudaram para São Paulo também, o Plutão já foi Planeta se mudou para São Paulo e fica nessa de ida e volta. E acaba que todo mundo se encontra nos shows dos amigos por lá, trocando informações, trocando figurinha, o que tem que fazer, o que não deve fazer e como fazer!

Rafael Brasil: A gente está doido para que todo mundo estoure, porque o Brasil precisa conhecer essas bandas, de verdade. Fica meio que só na internet, a gente vive nesse mundo e vê que tem um público gigantesco de uma galera que consome, é só as grandes mídias também chegarem junto! Mais, né? Acho que já estão dando um pequeno espaço, mas tem que ir mais ainda, porque o Brasil merece conhecer essas bandas boas que estão sendo produzidas aqui.

SRP - A pergunta agora é uma pergunta sobre uma pergunta: Vocês já contabilizaram quantas vezes já tiveram que responder do “porque de cânter em inglês”?

Todos: Aaaahhh!!! (risos)

Emmily Barreto: Primeiramente, a gente está muito feliz que você não fez essa pergunta. E foi a melhor pergunta sobre essa pergunta! (risos)

Cris Botarelli: Teve várias fases, já. No começo, a gente não tinha uma resposta e a gente inventava. Aí cada vez inventava um negócio. Depois a gente formulou uma resposta, depois a gente começou a ficar com preguiça de dar a resposta e respondia qualquer coisa tipo, “porque sim!”. E aí agora é um misto, hoje em dia quando perguntam é um misto, assim de “a gente fala, mas não fala”, é que não tem mais o que falar!

Edu Filgueira: Tem a versão curta, a versão média e a versão longa, depende do bom humor do dia.

Emmily Barreto: Mas, é chato!

Rafael Brasil: Acho que essa pergunta se mistura um pouco com o lance lá de Natal, tipo, a gente tá lá em cima, na esquina, ali, saca? As bandas lá, elas tocam o que gosta! Claro que lá dentro pode ter o lance de “pô, eu queria que as pessoas todas conhecessem a minha banda”, mas não, eles fazem do jeito que gosta. A galera de lá de Natal consome independente de ser em inglês ou ser em português, então é uma parada real mesmo! E se der certo, se chega em outros lugares, que irado! Mas o pensamento inicial não é de tipo “vamos cantar em português para fazer sucesso” ou “vamos cantar em inglês para dominar o mundo e conquistar noventa e quatro territórios!”.

Lauro Kirsch: Por ser o que a gente gosta e ser muito o que a gente escuta, também. Tipo, influencia de rock! O rock não é brasileiro, o rock é americano, o rock é britânico e a gente escuta isso. É tudo em inglês e é natural fazer aquilo o que você escuta. Soa natural!

SRP - Questionei também porque normalmente essas perguntas “do porque cantar em inglês” vêm sempre com uma crítica nas entrelinhas sobre isso. Tipo, “Vocês são brasileiros, nordestinos, de Natal e cantam em inglês? Como assim?”.

Edu Filgueira: Uma coisa não invalida a outra, né? A gente não está querendo que todas as bandas passem a cantar em inglês, sempre vai ter espaço para todo mundo! Aí tipo, muita gente que critica isso nem para pra pensar e consome, sei lá, o Scorpions, que é uma banda gigantesca, mas é da Alemanha, só que canta em inglês.

Lauro Kirsch: Nossa, você foi longe, heim?

Edu Filgueira: Não, saca, tipo, a galera não para pra pensar nisso, né?

Rafael Brasil: E a gente é geração da internet, é da geração que escolhe o que quer ouvir e que escutou banda em inglês mesmo. Acho que antes era mais difícil, alguém tinha que vir de fora com o disco para te apresentar e você conhecer aquela banda, né? Hoje em dia não, cara. Hoje em dia todo mundo vai, sei lá, no Spotify ou no Youtube e escuta o que quer e tal. E a maioria das pessoas consomem coisas em inglês, é um preconceito besta e que seria legal se mudassem!

Cris Botarelli: Eu fiquei sabendo que rolou uma época, nos anos sessenta para os setenta, uma passeata contra a guitarra elétrica. Uma lance, tipo, “não vamos americanizar a nossa música”. Naquele momento poderia fazer algum sentido, se havia algum movimento rolando, só que eu acho que ficou esse ranço. Assim, porque quando a pessoa pergunta “porque vocês cantam em inglês se vocês são do Brasil?”, aí você fala “mas porque não, diga aí?”, a pessoa também não tem resposta, uma coisa que a pessoa reproduz às vezes sem nem pensar sobre, tá ligado? Vai ver que é uma herança aí, ó!

SRP - Para encerrar, vocês fizeram uma pequena maratona pelas cidades baianas, passaram por Vitória da Conquista e pela segunda vez em Feira de Santana e agora, finalmente, vocês estão em Salvador, depois de um bom tempo, já estávamos esperando por vocês há uma cara. O que vocês esperam de Salvador e o que Salvador pode esperar da Far From Alaska daqui a pouco?

Cris Botarelli: Rapaz, o que a gente escuta da galera daqui de Salvador é que a galera é roqueira doidona. Então, a gente está esperando o apocalipse, está esperando a galera quebrar tudo, porque a gente vai tentar quebrar tudo no palco também. Então, a gente está com a expectativa bem alta e o que a gente só escuta é bons comentários da galera daqui.

Rafael Brasil: E como é a nossa primeira vez aqui a gente vai tocar muita música do disco novo, mas vamos tocar umas três ou quatro do disco velho. É a primeira vez, então tem gente que gostaria de ver, né? Que a gente não teve a oportunidade, a gente não veio aqui antes. Vamos tocar umas velhas, tocar umas novas. Vamos quebrar tudo! A Bahia tem um lance que o Tiago, que é o primeiro cara que acho que acreditou na gente na internet, né?

Emmily Barreto: Ah, sim, sim! Do fã-clube da gente! Ele está aí!

Rafael Brasil: Ele é daqui da Bahia, o presidente do nosso fã-clube, ele vai vir hoje, vai ser massa!

Lauro Kirsch: O fã-clube oficial baiano!

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